看完後确實能理解，為什麼這部印度電影可以屢次拿下國際上的劇本獎（從威尼斯的最佳劇本到亞洲電影大獎的最佳劇本）。
《學徒》講述的是一名印度古典音樂學徒的故事，他的童年、青年和中年時期被拆解并拼湊。雖然他努力遵循前輩、大師的傳統理念和教導，但随着時間的流逝，他開始在内心深處懷疑自己的藝術追求是否現實。
劇本的優秀體現在兩個方面。一方面，是影片在戲劇的時空結構，人物的塑造和隐性的話語層次上，都藏匿着諸多關竅，常是令人意想不到的展開和微妙的局部反轉，甚至後半段在幾場頃刻間的戲裡（下文會具體談到），就反轉了此前鋪陳的不少戲。但導演柴塔尼亞·塔姆哈尼又處理得很奇異、不是尋常的反轉模式，這在路數上令人聯想到了貝尼特·米勒的《卡波特》《狐狸獵手》，某種程度的殊途同歸。
...另一方面，是影片非常深刻地探讨了藝術與世俗、藝術與生存、藝術與人生價值、藝術與道德的主題内涵，帶來了醜惡乃至血淋淋的真相，極端而又令人無法逃避、感同身受——
大多數人系統地學藝術，仍是難以跨越其門檻半步，但這可能是幸運的；因為跨過門檻的少數人，他們中的大多數面臨的是“回不去”，一生從事這項事業，而内心深處卻在日漸崩塌，強迫自己相信“藝術的謊言”。但人生又是何其苦短呢？
《學徒》對印度古典音樂的體系反思，是極其有力的。片中，男主角逐漸發覺，自己對古典音樂的信仰變得越來越虛無。這種虛無感在一次譏諷中上升到了頂峰：青年時期，他在偶然的一次交談間，得知了偶像與師傅的真相，信仰幾乎在瞬間坍塌幻滅。他以潑水這一憤怒的舉動，遮掩自己那已經被粉碎的自尊，此時他才可悲地發現，自己一直以來為藝術付出的代價，那些禁欲的束縛和物質條件的掙紮，也許是可笑的，是不值得的。
生活在别處，有另一種解法，一個人當然可以與世俗嘗試和解。但他做不到，他無法停下來去轉換思路，因為自己已經在這條路上已經奔馳了太久，除了繼續，别無他法。
印度傳統文化不提倡在世的享樂，而是不斷地告誡民衆要在無常的人生裡反複練習，達成苦修。這一“苦行觀”，在導演的處理與編排下，成了藝術界裡精神PUA、藝術生态中人身剝削的實例。傳統與信仰，都綁架了這個可悲可歎的學徒，更叫人痛苦的是，即使他意識到這點，也無法逃離這個生态，隻能繼續“自欺欺人”，這是他唯一能做的選擇。
正如布爾迪厄以場域理論所分析的“藝術場理論”——強大的制度習俗系統構成了強大的引力場，把藝術品準則，美學觀念和品味都強加給了既定階層的人。藝術場也由此成了遵循自身運行和轉變律例的空間，它内部結構表現為不同參與者之間的權力關系，藝術的本質是上演權鬥的舞台。
隻要身處于藝術場域的界面之内，男主角這樣的學徒，究其一生，也許都無可逃離地成為它的一部分，就如結尾處他的妥協。
能與體制角力、從中跳脫的藝術從業者，往往是跨過門檻的少數人裡的少數人。而男主角，是少數人裡的多數人，幸運而又不幸着。
