瓦尔达的《5至7时的克莱奥》是瓦尔达的早期作品。它通过女权主义的视角，对法国文化进行了评论，同时还在这个环境下进行了人物研究。该片还涉及了一个关于死亡和短暂的主题，它贯穿于我们主人公生活的各个方面。
该片的基调是一种自我意识的女权主义。首先，我们有一个女主角，并且她不符合法国新浪潮电影中女性的典型形象，因为她没有性滥交，也不需要男人的情感或经济支持，尽管她自己的成功被塔罗牌占卜师归结为她的爱人的影响。
影片中大多数主要角色也是女性，首先是一个女占卜师，然后是一个女出租车司机，这个司机认为这个工作对女性来说不是一个特别安全的职业选择。在影片后期，我们看到克莱奥的朋友、裸体模特Dorothy说：她的身体让她快乐，而不是骄傲。这是当今一个非常流行的社会话题。这一信息与克莱奥在身体外表方面缺乏自信形成对比，尽管她符合社会对美的所有标准。影片中表现出任何程度的复杂性的人物都是女性。男性角色似乎都很肤浅和刻板，没有表现出更深层次或隐藏的欲望。她的情人只欣赏她的外在美，她的钢琴家只把她当作一件乐器，街头艺人为了证明自己的价值而做出怪诞的行为。克莱奥对他们中的大多数人始终感到厌恶、失望或惊吓。但不知何故，她需要他们的关注，否则她会失去自己的自我价值感；这就是那些男人对她行使权力的方式。
瓦尔达通过让我们跟随克莱奥穿过街道，带领观众参观，并巧妙地让我们在此过程中参与城市的日常事务。偶然听到的谈话、街头表演、城市设施、由于克莱奥的不断运动而使我们参观的各种场所—它们都反映了瓦尔达对巴黎的个人依恋，从这一方面《克莱奥》可以被看作是瓦尔达给60年代初的巴黎城写的电影情书。上面这些特点，再加上频繁对法国政治进行的评论，特别是与阿尔及利亚的战争（我们在收音机里、在餐馆里，以及从安托万那里听到的，他说这是一场 “毫无意义的战斗”），似乎也是为了捕捉和揭示巴黎真实人物的实际生活，影片很好地完成了这一点，这使得影片有时会有一种纪录片的感觉。
在法国，下午5点到7点之间据说是恋人见面的最吉利的时间。瓦尔达将这一传统完全颠覆，让她的主角在这个原本浪漫的时间段里几乎一直在思考自己的死亡。这里可以看出瓦尔达对表现主义线索的运用。我们可以在镜子的例子中看到另一种表现主义工具。镜子往往跟随着克莱奥走到她去的地方—在塔罗牌师那里，紧接着在餐厅，在帽子店，在家里，在街上，最后在她和Dorothy离开时。虽然她的厄运即将来临，但她一直通过在镜中确认她的身体吸引力来保证自己的价值，但当Dorothy打破她的手镜时，她甚至连这一点都无法做到了，她对自己厄运将至的恐惧变得更加强烈。
这部电影最终是一个人物研究。我们，观众，花两个小时，主要是和主角克莱奥在一起，从她自己的角度看她的世界。我们会听到她的想法和她听到的事情。瓦尔达非常巧妙地操纵了影片中的时间流逝，以便让我们感觉到影片中的事件是实时发生的，它增强了观众对克莱奥生活的参与。
就像我们所看到的，克莱奥是个矛盾的人。她很迷信，相信预兆并咨询塔罗牌占卜师，但又喜欢黑色，经常穿黑色衣服，她甚至有一只黑猫。她认为自己会死，但仍然对自己的美貌感到骄傲。她是个歌手，但她讨厌自己的歌。她很虚荣，但也依赖他人的认可。她很有天赋，但不相信自己能做出热门曲目。她很敏感，但常常冷酷无情。她希望得到别人的关注，但也意识到大多数人只是假装关心她。她在夏天买冬天的帽子。最后，当医生随意地确认她确实患有癌症时，她感到如释重负。克莱奥到目前为止还不知道自己想要什么。她只知道她不想要什么，比如她的关系、她的工作、她的同龄人对她的态度。
克莱奥，像许多现实中的人一样，至少在确定性中获得了一丝安慰。她内心的动荡仅仅来自于对未来的不确定，而不是可能即将到来的厄运。观众通过摄影机的动作（在歌曲中左右摇摆，在街道上跟踪她，在结尾处固定在她身上）参与到她的情感能量中。影片的情绪在接近尾声时也有所放松，因为她在安托万的陪伴下放松了。这一点通过更平坦，低对比度的图像、更平滑的摄影机动作和更安静的背景声音来传达，直到最后的片段。
《克莱奥》可以被看作是瓦尔达个人对生命和死亡的沉思，她通过不断地将年轻和新生的图像与关于疾病和悲剧的讨论并列，不断强调生命的不确定性。生命的无常，拒绝生命时的焦虑，以及接受生命时的解脱，在这部影片中都有精美的描绘。 最后，所有占卜师的预言都成真了，除了一个—她选择对克莱奥隐瞒的预言—她的死亡预言。人们可以从她过去的准确度推测，克莱奥将不可避免地死亡。但如果我们选择不像我们的克莱奥那样迷信塔罗牌，这就留下了一个没有问题的答案。但它无疑成功地在观众中植入了一个令人不安的想法：生命，无论我们如何认识它，都是短暂的。
