关于Bowie的文字和影像已经有很多，我们是否还需要一部纪录片？而且为什么还是IMAX化的纪录片？
导演Brett Morgen，代表作《珍》（2017）和《科特·柯本：烦恼的蒙太奇》（2015），讲了一个很长的故事，因为本片的制作周期就很长，大约是七年。
导演在2007年会见了Bowie，和Bowie讨论另一个非虚构项目，Bowie重回当下的柏林，进行街头音乐表演，但是Bowie当时已经属于半退休状态，所以没有进行。
到了2015年，导演已经完成了关于科本的片子，开始想要利用IMAX和剧院环境创造一种“沉浸式音乐体验”，一种类似科技馆或主题公园的音乐旅程，而不是传统的传记体维基百科式的音乐人纪录片；由此出发导演开始考虑选哪个艺术家，2016年Bowie去世了，于是他通过原来的关系拿到了大量的archive，开始了本片的制作。
而这个IMAX沉浸式音乐体验，而不是维基百科式的做法，可能对于粉丝来说是很有吸引力的，而对于不熟悉Bowie的观众来说可能“音乐太响”、“内容太乱”，因为全片就如同把一个传统的编年体Bowie电视纪录片压缩成了一部2小时IMAX电影，并进行了拼贴和混响。好处显而易见，导演不再是一个信息整理和呈现的archive管理员和放映员，导演变成了一个进行二次创作的艺术家：电影开头和结尾呼应，是Bowie式再创作，太空月球外星人，预示着一个摇滚上帝的诞生和逝去；电影中也加入了一些简单的实验影像和动画元素，使得电影的迷幻氛围感加强；一段archive影像（在日本上下电梯），甚至在前半段和后半段都有出现，模糊了线形时间。不过既然是二次创作，好坏也是见仁见智。
Bowie留下的素材浩如烟海，切入他的主题也是多样：性取向、流行文化、变色龙、家庭生活、电影作品、绘画、百老汇戏剧、世界各地的游牧生活等等。导演似乎是都有所涉猎，但都是点到为止。在前面提到的跳跃和流动的形式下，唯一比较清楚的主轴似乎是一个完全投入在艺术/娱乐产业里的多变的艺术家，慢慢长大，找到了自我和艺术/事业的平衡，最终找到了人生存在主义式的归宿和平静私密的家庭生活。这里当然是Bowie的大智慧，他看穿了流行文化的本质，并且能够游刃有余，在创作一个摇滚之神的同时，能够看穿一切，已经属于明星的顶级成就。
而导演在那个讲为什么拍此片的很长的故事里也提到了一个插曲：有一次他心脏病突发住院，而在病床上他想到的是第二天要去拍marvel的电影，别的都没想拔管子就为了拍片走人。而在之后，他接触到了Bowie的archive，突然在另一个艺术家身上发现了生活和工作/艺术的平衡的重要性，所以最后（当然中间还有很多技术性的剪辑细节和新冠疫情）沉陷的便是这个主题。
说到底，就是一剂中年危机的美式解药。
参考信息：
纽约林肯中心电影sneak preview 导演Q&A
